Mireia Ruiz, artista

«Le emozioni possono nascere anche di fronte al buon design»

Mireia Ruiz è un'artista plastica che vive e lavora nel suo studio a Barcellona. Oggi si dedica alla sua passione artistica, affrontando l'uso del colore come strumento comunicativo.

Hai studiato grafica, ma sei soprattutto autodidatta, è corretto?
La mia formazione è nel graphic design, ma in realtà ho imparato da autodidatta in vari campi come: fotografia, scenografia di prodotto e belle arti. Mi considero una persona curiosa e mi piace apprendere nuove tecniche e strumenti per realizzare le mie idee e progetti. Come insegnante incontro gli studenti stressati nel verificare che la loro scelta negli studi sia stata quella giusta, come qualcosa di inamovibile, cerco di dare loro la mia esperienza come esempio. È normale e non deve spaventare che una persona nel corso della sua vita possa cambiare professione e aggiungerne di nuove.
conoscenza.

Ora insegna all'IDEP. Come appaiono le cose dall'altra parte?
Osservo molte paure, principalmente la sfiducia nelle proprie capacità creative. Mi concentro molto sul rafforzamento di quella parte, cerco di fargli vedere i suoi punti forti, non solo quelli deboli. E insisto che è una gara di lunga distanza, la scuola è formazione per il mondo del lavoro. Insisto molto sugli autoprogetti per dimostrare cosa sono capaci di creare senza aspettare l'incarico perfetto. Questi risultati inaspettati che derivano dalla propria irrequietezza possono attrarre clienti che si lasciano sedurre da quella freschezza e costanza. La coerenza è essenziale nel mondo creativo, credo che questo aspetto abbia causato ciò che ho raggiunto nella mia carriera professionale.

Per te il colore è molto importante. Perché?
Il colore è un linguaggio visivo che influenza lo stato d'animo della persona che lo percepisce, per questo motivo mi interessa esplorare le diverse gamme cromatiche e come le persone reagiscono al colore. Soprattutto con i colori più saturi, che esaltano tante emozioni e possono inquietare; Al contrario, le gamme neutre o analoghe rilassano e mantengono in un ambiente più confortevole.
Mi considero figlio degli anni 80 e l'esplosione del colore ha avuto un grande impatto su di me, dal mondo della moda, della grafica o dell'arredamento. Conservo con affetto un libro del gruppo Memphis, fondato nel 1981, designer, architetti e grafici milanesi che si riunivano attorno al grande Ettore Sttsass. Hanno segnato quell'esplosione di colori vivaci, unendo forme e materiali insoliti che fanno sognare in un ambiente provocatorio e creativo.
E in modo molto più particolare e personale, il colore ha segnato tutta la mia infanzia, da quando mia madre mi ossessionava con gli abbinamenti nei miei vestiti. Avevo scarpe da ginnastica di quasi tutti i colori che si abbinavano ad alcuni capi del mio armadio. Per me il colore era un gioco quotidiano, e nella mia adolescenza ho avuto momenti in cui mi vestivo completamente di blu, rosso, rosa...
Tutte quelle esperienze e influenze si riversano nel mio lavoro. La scelta cromatica nei miei progetti è fondamentale, di solito ci penso molto, e dopo quella scelta sono fedele fino alla fine, io lo chiamo "il patto del colore". Penso che la chiave sia non aver paura del colore e sentirlo, lasciando da parte il significato che la nostra cultura può dargli, poiché può condizionarci. «Qualsiasi colore, non importa quanto lo odi, se lo pratichi puoi finire per amarlo.» Questa riflessione è di Josef Albers, un punto di riferimento nella pratica del colore, che menziona nel suo libro "Color Interaction", e ha ragione.

Siamo continuamente coinvolti nel design, ma l'arte è più personale. Pensi che l’arte debba sempre risvegliare emozioni?
Il design ci aiuta a comunicare un messaggio, ci aiuta a trovare soluzioni e ha una funzione specifica, si limita al brief, alle esigenze di comunicazione del cliente e alla comprensione del ricevente, è il cavo di collegamento e deve funzionare. L'arte, invece, si struttura in base al messaggio dell'artista, ma, a differenza del design, può essere meno esplicito, risultando molto più libero. Vale a dire, il messaggio c'è, ma il mezzo per trasmetterlo può essere così poco appariscente che per questo si parla di "sentimento". Se ci pensiamo, i sentimenti sono più complessi, e possono essere soggettivi, allo stesso tempo l'arte può risvegliare sentimenti diversi a seconda del destinatario, e può portare anche a riflessioni personali basate sul lavoro dell'artista. Per me l'arte e il design hanno un messaggio, ma nel design è più evidente e nell'arte è più intuitivo, l'artista ti lascia una certa libertà di interpretazione, ed è lì che possono nascere sentimenti o emozioni. Penso che non si tratti di lasciare limitate le emozioni nel mondo dell'arte, le emozioni possono nascere anche di fronte al buon design. Ma per spiegare certe opere d'arte è più facile parlarne con sentimento, soprattutto se parliamo di arte astratta.
È un argomento piuttosto complesso, sapendo che, sebbene arte e design non siano la stessa cosa, si interpellano in molte occasioni. E la libertà di cui gode l’arte rende più facile sperimentare nuovi linguaggi visivi, cosa che nutre il mondo del design.
Se lavorassero di più mano nella mano: arte, design, ingegneria e scienza, molti progetti sarebbero risolti in modo più creativo, funzionale ed emozionale. Mi riferisco a questo perché c'è sempre la tendenza a separare i profili professionali, cosa che viene praticata al Mit Media Lab in Massachusetts.

Nella sua biografia, afferma che la sua motivazione principale è "dipingere le mie opere con il colore per trasmettere un messaggio positivo e sviluppare un universo parallelo". Come sarebbe questo universo utopico?
Un universo utopico sarebbe empatico, gentile, rispettoso, pacifico... tutte quelle caratteristiche che ci rendono buoni. Quel luogo si costruisce nella nostra mente, possiamo migliorare il presente e avvicinarlo all’utopia. Sebbene la realtà sia così complessa e dura che è difficile da immaginare, penso che sia per questo che attraverso le mie opere costruisco il mio luogo. Il colore è lo strumento visivo che trasmette quella positività, che nasce dalla natura pulita e autentica, che mi allontana dall'oscurità che ci portiamo dentro. Viviamo sofferenza, avidità, individualismo e un lungo eccetera di miserie che ci rendono umani allo stesso tempo. Siamo buoni e cattivi, esercitiamo il bene e il male, questa lotta di forze ha una fine. Non ho la soluzione, non sono uno scienziato, non sono un politico, non ho una posizione di rilievo nel consiglio di amministrazione, ma posso proiettare una certa energia attraverso il mio lavoro.

Il suo lavoro è prevalentemente pittorico, acrilico su tela, ma anche su carta o legno. Quanto sono importanti i materiali?
La materia è importante perché è tangibile e limitata. Mi è sempre piaciuto lavorare con la pittura perché ha un potere trasformativo. Dipingo oggetti che trovo o salvo e do loro un'altra possibilità. Tendiamo a buttare via molti materiali e non possiamo permetterci questo lusso. Un compito che adoro è lavorare con scarti, pezzi o ritagli di legno. Il legno è un materiale nobile e finito che ha bisogno di tempo per crescere. Mi fa male vedere sedie, assi, mobili nella spazzatura, allora provo a raccoglierli e trasformarli in collage. È un modo come tanti altri di riutilizzare la materia, poiché, a differenza della tela dove stabilisco cosa voglio e come lo voglio, con quest'altro processo non è quello che voglio, ma quello che ho, quello che mi viene offerto Me. Per questo motivo non so come sarà il lavoro alla fine, per me ha un effetto sorpresa, parte del lavoro non lo decido io, si costruisce con le mie decisioni ma non riesco a controllarlo totalmente . Ciò mi fa anche in qualche modo lottare con le premesse della perfezione, senza errori, senza sperimentazione e controllo... il che può essere soffocante.

Ha esposto soprattutto in mostre collettive. Per un artista è difficile esporre le proprie opere individualmente?
In realtà le proposte che ho ricevuto sono collettive e d'altra parte non ho proposto di fare una mostra individuale. È una questione più personale, credo per mancanza di fiducia e di tempo, dato che ho sempre unito il mio lato artistico con quello del design o della fotografia, per questo motivo non sono riuscito a concentrarmi sulla realizzazione di una mostra che si concentri su un tema e un insieme di opere che lo esprimono. La buona notizia è che quest'anno voglio riuscirci e, se tutto andrà bene, alla fine dell'anno avrò la mia seconda mostra personale a Barcellona.

Pensi che l’arte non sia abbastanza valorizzata? Cioè a livello scolastico, per esempio... O a livello sociale, certe manifestazioni artistiche come la street art...
Il disegno è il primo strumento comunicativo che utilizziamo da bambini, prima del linguaggio. Crescendo tendi a valorizzare la tecnica, lasciando da parte la libertà e la sperimentazione. Per questo si sente sempre dire "non so disegnare", penso che sarebbe più corretto dire: non mi piace oppure mi piace. A livello accademico e sociale ti insegnano che se non riproduci bene le proporzioni o la luce, in particolare il realismo, non sei più utile. Per me questo è un errore che personalmente mi ha condizionato, ci sono tanti modi per esprimersi artisticamente.
L'arte non è la professione che gode della migliore reputazione, tutti conosciamo le vite di miseria di molti artisti, conoscendo anche le carriere di successo di alcuni dei più famosi. Qualcosa che sicuramente accade anche in altre professioni, ma l'arte, come sottolinea, non ha lo stesso valore.
Forse è qualcosa legato al valore dato alla cultura, quando sappiamo che tutti abbiamo bisogno di sentire, vedere, interpretare e godere dell'arte. Parlando di street art, che può dare fastidio se non viene esercitata con permesso, penso che se il muralismo fosse incentivato nelle città potremmo avere un museo a cielo aperto, per tutti, che potrebbe riempire di vita e di riflessione le strade grigie.

Dei tuoi clienti e delle tue collaborazioni, ne ricordi qualcuno in particolare?
La collaborazione che ricordo particolarmente è quella che ho fatto con il brand australiano Gorman Clothing. Ogni stagione collabora con un artista e dal loro lavoro crea una collezione limitata. Guardare i miei dipinti passare dallo stare seduti sul muro, allo stare fermi, trasformarsi in stampe e prendere vita con la moda, è stato incredibile. Un'esperienza di cui mi sono innamorato e con cui ho continuato a collaborare con altri brand di abbigliamento, è una sensazione emozionante vestirsi della propria arte. Ho potuto visitare Melbourne e incontrare l'intero team che lo ha reso possibile, vedere i negozi con il mio nome sulle vetrine, mi sono sentito molto rispettato e apprezzato. Questa collaborazione ha aperto le porte a molti altri.

Come affronti le collaborazioni?
Quando lavoro per collaborazioni, indipendentemente dal prodotto da trattare, tutto parte dal mio lavoro precedente. Prima di iniziare dico ai miei clienti di rivedere il mio lavoro, perché mi esprimo in modi diversi, e di inviarmi quei lavori che li entusiasmano di più. E poi inizio a lavorare con quella base, poi invio loro le proposte e così ci avviciniamo a un risultato comune. Parte del mio lavoro è creare per mostrare cosa posso fare.
Tutti i miei progetti sono strettamente legati alla mia immaginazione, quindi per me non è molto diverso applicarla in qualsiasi formato.

Nel packaging spicca l'edizione limitata di Torres Brandy Jaime I, con una custodia basata sulla vernice della botte dove invecchia il brandy. Ci puoi parlare di questa collaborazione?
La collaborazione per Torres Brandy è stata una commissione molto interessante per intenzione e formato. Che un marchio prestigioso metta in risalto gli artisti in attività è un atto molto gratificante per entrambe le parti. Dato che amo dipingere, appena mi hanno spiegato che la sfida era dipingere una botte mi sono subito emozionato, e sapendo che avrei fatto parte di una collezione speciale di tanti altri artisti, non ho esitato ad aderire al progetto .
Per trarre ispirazione, ho fatto una visita guidata alle loro strutture e mi hanno spiegato in dettaglio l'intero processo di produzione del brandy Jaume I, un lavoro che richiede pazienza e tempo.
La prima cosa che ho visto sono stati i campi di vigneto, la terra e la sua consistenza, gli acini d'uva e le loro forme, una formica che ha incrociato il mio cammino... Di solito presto attenzione a questo tipo di dettagli. Come la consistenza del legno nella botte, il brandy e il suo colore, i riflessi in una bottiglia così speciale, con curve e torsioni. Ma c'era qualcosa che ci univa soprattutto, il tempo. Per fare quel brandy Torres ci vuole tempo, perseveranza e un luogo dove coccolarlo, per questo nella mia interpretazione appare la clessidra, la scala come simbolo di fatica e un lucchetto, un luogo chiuso dove farlo. Tutti questi elementi, insieme alle texture e ai campi di vigneto, sono intrecciati nel mio lavoro per Torres.

Hai fatto altri lavori di imballaggio? Vorrebbe?
Recentemente ho collaborato con il brand americano Jaime Makeup, per il confezionamento di alcuni patch per il contorno occhi. La proposta è stata molto interessante perché ha disegnato la custodia e la scatola che la accompagna. Inoltre avevano già collaborato con un illustratore per altri prodotti e rispettavano molto il mio stile, da parte mia ho lavorato con la loro gamma colori aziendale. Un linguaggio che capisco, quello dei marchi e del branding, poiché la mia formazione come artista grafico mi consente di applicare organicamente la mia arte in modo che si adatti al marchio.
Adoro stabilire questo tipo di collaborazioni, mi arricchisce che la mia arte si adatti a diversi formati, che si tratti di packaging, di tessuti o di altre proposte. Alla fine un quadro è appeso ad una parete, le collaborazioni permettono di raggiungere più pubblici e di farmi uscire dalla monotonia.

Quali sono i tuoi prossimi progetti?
Ho un progetto che incrocio le dita per vedere realizzato, perché mi renderebbe felice, ma non posso ancora parlarne. Abbiamo appena iniziato l’anno e ci sono già delle proposte, ma al momento sono collaborazioni non chiuse. Come ho accennato, nel frattempo mi concentrerò sulla mia mostra individuale e sullo sviluppo di un importante corpo di lavoro per parlare del fatto fortuito dell'incontro, non tra persone, ma tra persone e cose, di come gli oggetti influenzano il tuo ambiente.